Apollo und Daphne

Gian Lorenzo Bernini

Diese elektrisierende Marmorgruppe (1622–25) hält den Höhepunkt von Ovids Erzählung fest, als Daphne beginnt, sich in einen Lorbeerbaum zu verwandeln, um Apollos Umarmung zu entkommen. Ihre Finger treiben Blätter, ihr Oberkörper verhärtet sich zu Rinde. Bernini stellt diese Verwandlung mit erstaunlicher Flüssigkeit dar und verkörpert damit die barocken Ideale von Bewegung, Emotion und göttlichem Drama.

Der auferstandene Christus

Michelangelo

Michelangelos „Der auferstandene Christus“ (1521) zeigt den auferstandenen Christus mit einem Kreuz in der Hand, das den Sieg über den Tod symbolisiert. Diese Marmorskulptur verkörpert den Humanismus der Renaissance und verbindet klassische Schönheit mit geistiger Würde. Die idealisierte nackte Gestalt spiegelt die Verbindung von göttlichem Leiden und Sieg wider und zeigt Michelangelos Meisterschaft darin, sowohl körperliche Vollkommenheit als auch tiefgreifende spirituelle Themen darzustellen.

Jagdszene mit Steinböcken

Dieser gravierte Felsblock (8. Jh. v. Chr.–5. Jh. n. Chr.) zeigt eine Jagdszene mit wilden Steinböcken und menschlichen Figuren, die sich über seine Oberfläche bewegen. Die eingepickten Umrisse folgen den Kurven des Gesteins und nutzen die natürlichen Konturen, um Tiere und Jäger zu beleben. Solche Darstellungen spiegeln die Bedeutung von Bergwild für die frühe nomadische Lebensweise und Rituale wider und verbinden die umliegende Landschaft mit Gruppenidentität und schamanischer Praxis.

Erzengel Michael

Raffaello da Montelupo

Diese Marmorstatue (1544) krönte einst die Festung und zeigt den Erzengel Michael in dem Moment, in dem er sein Schwert nach dem Ende der Pest von 590 in die Scheide zurücksteckt. Die Kontrapost-Haltung der Figur und die idealisierte Anatomie erinnern an klassische Skulpturen, während die erhobenen Flügel und die militärische Kleidung seine Rolle als himmlischer Beschützer betonen. Die Verbindung von antiker Form und christlichem Thema verwandelt ein lokales Wunder in ein bürgerliches Symbol der Erlösung.

Der Rat der Götter (Detail)

Raphael

In dieser Szene (1518) zeigt Raffael, wie Amor Jupiter anfleht, Psyche Unsterblichkeit zu verleihen und ihrer Verbindung zuzustimmen. Jupiter, mit seinem Adler sitzend, hört nachdenklich zu. Neben ihm stehen Juno (mit Pfau), Diana (mit Halbmond) und Minerva (in Rüstung). Venus steht mit entblößter Brust neben ihrem Sohn, während Neptun (mit Dreizack) sowie Pluto (mit Zweizack und dem Hund Zerberus) und Mars (in Rüstung) im Hintergrund zusehen.

Der König schlägt vom Streitwagen aus zu

Dieses assyrische Relief (645–635 v. Chr.) zeigt König Assurbanipal, wie er von seinem Streitwagen aus einen Löwen mit einem Speer trifft und damit seinen Mut und seine kriegerische Tüchtigkeit demonstriert. Solche Szenen stärkten die Vorstellung von der königlichen Autorität als göttlich bestimmt und stellten den König als fähig dar, Natur und Chaos zu bezwingen. Diese Darstellung betonte den assyrischen Glauben an die Rolle des Königs als Beschützer und Eroberer.

Caracalla (im Erwachsenenalter)

Diese Büste aus weißem Marmor (209–211) zeigt Caracalla mit kurzen Locken, gestutztem Bart und einem schweren Mantel, der an der Schulter befestigt ist. Der angespannte Kiefer, die eingebohrten Pupillen und die gerunzelte Stirn entsprechen den offiziellen Porträts, die ihn als abgehärteten Soldatenkaiser darstellten. Die Skulptur zeigt, wie die severische Porträtkunst harten Realismus nutzte, um ein Bild kompromissloser kaiserlicher Autorität zu behaupten.

Medusa

Dieses lebhafte Bodenmosaik (1.–2. Jh.) zeigt Medusa mit sich ringelnden Schlangen anstelle von Haaren, deren Körper sich um ihr Gesicht winden. Als apotropäisches Bild – ein Motiv, das Schaden abwehren soll – galt ihr versteinender Blick als Mittel, Gefahr und Unglück fernzuhalten. Im Zentrum von Wohn- oder Badebereichen platziert, verwandelte die Szene mythologischen Schrecken in ein schützendes Emblem.

Landschaft mit Eremiten

Paul Bril

Diese Landschaft (um 1600) zeigt Mönche, die sich in einer bewaldeten Lichtung unter einem weiten, leuchtenden Himmel versammelt haben. Ihre kleinen Figuren sitzen oder stehen entlang eines Pfades, der sich zu fernen Hügeln öffnet. Solche Szenen kamen in der frühbarocken Malerei vor, besonders in nördlichen Regionen, in denen der heilige Rückzug ein häufiges Thema war. Die Komposition zeigt, wie Künstler das eremitische Leben mit der geordneten Stille der Natur verbanden.

Taranis mit Rad

Dieses silberne Reliefpaneel vom Kessel von Gundestrup (2.–1. Jh. v. Chr.) zeigt eine schreitende Figur, die ein großes Speichenrad zwischen Tieren und menschlichen Köpfen hält. Die Figur wird oft mit Taranis identifiziert, einem keltischen Donnergott, dessen Name vom gallischen taran (Donner) abgeleitet ist. Mit Himmel und Sturm verbunden, wird Taranis mit dem nordischen Thor verglichen, und das Rad fungiert hier als kosmisches Attribut, das göttliche Macht mit den himmlischen Zyklen verbindet.

Amor bittet Jupiter um Unsterblichkeit für Psyche

Raffael

In diesem Fresko (1517–18) zeigt Raffael den Moment, in dem Amor Jupiter um Psyches Unsterblichkeit bittet. Jupiters vertraute Geste deutet auf göttliche Zustimmung und Mitgefühl hin, während Amors jugendliche Verletzlichkeit im Kontrast zur Autorität des Gottes steht. Das Werk spiegelt die Faszination der Renaissance für klassische Mythen und göttliche Liebe wider.

Grab des Erzbischofs Scherlatti

Nino Pisano

Dieses Marmorrelief (um 1300–1350) war Teil des Grabes von Erzbischof Scherlatti. Christus ist in der Pose der Imago Pietatis dargestellt, wie er mit geschlossenen Augen aus dem Grab aufsteigt, flankiert von zwei trauernden Engeln. Die Szene verbindet andächtige Zärtlichkeit mit verfeinerter gotischer Eleganz und veranschaulicht Nino Pisanos lyrischen Stil sowie den wachsenden emotionalen Realismus in der Grabkunst des 14. Jahrhunderts.

Fantastisches Wesen mit gepanzerter Haut

Dieses fantastische Wesen (um 1590) spiegelt die koloniale Faszination für exotische Fauna wider. Seine panzerartigen Platten und schuppigen Beine deuten darauf hin, dass es von Albrecht Dürers Holzschnitt Rhinocerus von 1515 inspiriert wurde – einem ikonischen, aber ungenauen Bild, das die europäischen und kolonialen Vorstellungen von unbekannten Tieren prägte.

Totenmaske

Diese auffällige Goldmaske (200 v. Chr.–800 n. Chr.) aus der Region Calima wurde vermutlich bei Bestattungen der Elite verwendet, um Macht und übernatürliche Verwandlung zu vermitteln. Ihre starren, geometrischen Züge und die hervortretenden Augen deuten auf eine spirituelle Präsenz hin. Totenmasken halfen, die Verstorbenen ins Jenseits zu führen und zugleich ihren dauerhaften Status und ihre heilige Identität zu betonen.

Fantastisches Nashorn

Dieses Wandgemälde-Detail (um 1590) zeigt ein Nashorn, das nach Dürers Holzschnitt von 1515 gestaltet ist, der trotz anatomischer Ungenauigkeiten zum europäischen Archetyp dieses Tieres wurde. Seine gepanzerten Platten und der drachenähnliche Ausdruck spiegeln die Faszination der Kolonialzeit für exotische Fauna wider, gefiltert durch die Vorstellungskraft der Renaissance und das begrenzte unmittelbare Wissen über afrikanische und asiatische Tiere.