Panneau de plafond baroque andin

Manuel Chili (Caspicara)

Ce panneau de plafond sculpté et doré (1770–80) montre des visages rayonnants, des faisceaux dorés et des motifs floraux disposés autour d’un soleil éclatant central. Produit à Quito à la fin de l’époque coloniale, il s’inscrit dans l’imagerie céleste du baroque andin. Caspicara a uni la cosmologie catholique aux conceptions autochtones d’une géométrie sacrée et ordonnée.

Fantaisie grotesque avec bêtes

Perino del Vaga ; Domenico Rietti

Cette fresque (1545–46) montre une arche en forme d’arc-en-ciel remplie de bêtes hybrides, de créatures ailées, de prédateurs félins et de putti enjoués (figures d’enfants chérubins) disposés sur un fond pâle. Les peintres adaptent le goût romain pour les grottesche (motifs ornementaux fantastiques) redécouvert dans les ruines antiques. Leur fantaisie foisonnante révèle au mieux comment les cours de la Renaissance utilisaient ce type d’images pour transformer les murs en spectacles imaginaires.

Cernunnos

Cette figure emblématique, interprétée comme le dieu celte Cernunnos, est assise en tailleur entre un cerf et divers animaux, tenant un torque et un serpent cornu. Ce panneau du chaudron de Gundestrup (150 av. J.-C. à 1 ap. J.-C.) symbolise la nature, la fertilité et la transformation. Le torque représente la noblesse et le pouvoir ; le serpent, la renaissance et le monde chthonien.

Hercule et l’Hydre

Baldassarre Peruzzi

Cette fresque au plafond (vers 1510) dans la Salle des Perspectives montre Hercule combattant l’Hydre à plusieurs têtes. La créature symbolise le signe du zodiaque du Cancer, en accord avec le thème astrologique de la salle. Peruzzi met en scène la vertu héroïque triomphant du chaos et de la tentation terrestre, reflétant les idéaux renaissants d’ordre et de force morale.

L’Incendie du Borgo

Raphaël et Giulio Romano

Cette fresque (1514) représente un incendie légendaire dans le quartier du Borgo à Rome, illustrant une intervention divine grâce à la prière du pape Léon IV. Faisant partie des Chambres de Raphaël au Vatican, la fresque mêle éléments classiques et renaissants, avec des figures dynamiques et une architecture d’une grande précision. L’œuvre reflète la croyance de l’époque dans le pouvoir de la foi et le rôle central de l’Église dans la protection de la société et le maintien de l’ordre.

Madonna del Colloquio

Giovanni Pisano

Ce buste en marbre de la Vierge à l’Enfant (vers 1280–1284) se trouvait à l’origine au portail du transept sud de la cathédrale de Pise. Aujourd’hui, il saisit un échange émotionnel frappant entre la mère et le fils. L’Enfant saisit doucement le voile de Marie, mettant en valeur l’attention novatrice de Pisano à la tendresse et au réalisme psychologique dans l’art sacré.

Pectoral avec visage et disques ornementaux

Ce pectoral tairona élaboré (900–1600 apr. J.-C.) représente un visage humain orné de grandes boucles d’oreilles et d’un pendentif nasal décoratif, encadré par deux formes en croissant gravées de motifs sacrés. Probablement porté par un chef ou un prêtre, il exprimait l’autorité divine et la puissance ancestrale lors de rituels cérémoniels dans la Sierra Nevada de Santa Marta.

Chat à l’ombre de Sidi Bou Saïd

Sous un encadrement de porte usé par le temps et à côté de murs décolorés par le soleil, une chatte tricolore trouve refuge contre la chaleur de midi. Cette scène paisible saisit l’harmonie entre l’architecture de Sidi Bou Saïd et le rythme quotidien de ses habitants félins, devenus les gardiens silencieux du charme tranquille et patiné du village.

Fresque allégorique avec éléphants et grimpeur

Des éléphants aux yeux expressifs se tiennent sous un arbre tropical, où un homme se penche vers le bas, rassemblant peut-être des fruits exotiques. Cette fresque (vers 1590) reflète une fascination pour l’exotisme et la représentation allégorique de la maîtrise de la nature. Ce type d’imagerie symbolisait souvent les dynamiques de pouvoir de l’empire et l’attrait des terres lointaines.

Un murmure dangereux

Luis Alberto Acuña

Cette fresque (années 1950) de Luis Alberto Acuña représente un homme murmurant de façon séductrice à l’oreille d’une femme, tandis qu’elle écoute avec un mélange de curiosité et de retenue. Ce geste intime contraste avec la servante au-dessus, qui accomplit silencieusement ses tâches, renforçant les thèmes des dynamiques de genre, des rôles sociaux et de la tension entre désir et décorum dans la société coloniale.

Apollon et Daphné

Bernini

Vu de dos, l’Apollon et Daphné (1622–25) de Bernini révèle la tension en spirale de la fuite et de la poursuite. La métamorphose de Daphné s’accélère : des branches jaillissent de ses cheveux tandis qu’Apollon se penche en avant, à peine ancré au sol. Cet angle renforce l’illusion de mouvement et saisit le climax fugace du mythe avec une virtuosité lyrique.

Hommage à Vivaldi

Eduardo Ramírez Villamizar

Ce relief sculptural en bois peint (1963) reflète la fusion, chez Villamizar, de l’abstraction géométrique et du rythme musical. La répétition verticale et les formes modulées évoquent l’élégance structurée des compositions de Vivaldi, transformant le son en cadence visuelle. Il fait partie de la collection permanente du musée.

Putti avec guirlande

Ce relief en marbre du XVIIe siècle, situé dans la basilique Saint-Pierre, représente de joyeux putti — figures chérubiques — tenant une guirlande de fruits et de fleurs, symbole d’abondance et de grâce divine. Placé sur un fond de marbres incrustés aux couleurs riches, il associe des motifs classiques à l’exubérance baroque. En dessous, l’inscription "Sanctus", qui signifie "saint", renforce l’atmosphère sacrée. Cette décoration reflète la synthèse d’art, de dévotion et de splendeur propre à la basilique, incarnant une célébration intemporelle de la foi et de la créativité.

Vierge à l’Enfant sur le plafond à caissons

Ce gros plan du plafond à caissons (années 1570) révèle une Vierge à l’Enfant dorée, encadrée de couronnes de laurier, de chérubins ailés et d’un ornement baroque complexe. Ce motif central, riche en symboles, exprime la dévotion mariale, la fierté civique et la gratitude pour la protection de la Vierge, en particulier après la victoire chrétienne de Lépante.

Garçon se reposant sur une pirogue de pêche

Un garçon est allongé de tout son long sur la proue d’une pirogue de pêche peinte à la main, se prélassant au soleil de l’après-midi. Ces pirogues, ornées de symboles et de noms de saints, servent à la fois au travail et aux loisirs. L’instant saisit la vie côtière où tradition, foi et joie de la jeunesse dérivent ensemble au gré des marées.